Caracas Foto

Ángeles en el Alto ...imágenes de piedra y cielo - Fotografías de Luis Brito

2012-02-14T09:56:00.000-08:00

Luis Brito: "Mis fotografías son más que un exorcismo"

2012-02-10T12:17:00.000-08:00

El fotógrafo inaugura el martes "¿Recuerdas a Eleanor Rigby?" en el restaurante Alto

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DUBRASKA FALCÓN | EL UNIVERSAL

viernes 10 de febrero de 2012 12:00 AM

Luis Brito (Río Caribe, 1945) caminaba por las calles de El Cairo cuando se enteró de que John Lennon había sido asesinado. Como siempre en su walkmanescuchaba a Los Beatles. Sin saberlo entró al cementerio de la capital de Egipto y comenzó a retratar a los ángeles que adornaban algunas de las tumbas.

Durante dos años la misma escena se repetía, pero en locaciones distintas: Brito entraba a los camposantos de Buenos Aires, Bogotá, Ciudad Bolívar, Valencia y Caracas y capturaba esas imágenes de piedra.

¿Por qué comenzó a retratar a estos ángeles? No lo sabe. Tampoco busca una razón. Lo único que le llamó la atención era que por primera vez estaba haciendo fotografías a color.

De eso ya hace más de tres décadas. Ahora, por segunda vez en 28 años, el fotógrafo expone las imágenes de la muestra ¿Recuerdas a Eleanor Rigby?, que se abrirá el próximo martes 14 de febrero, en el restaurante Alto, ubicado en la 1ª avenida con 3ª transversal de Los Palos Grandes.

"Luego de escuchar tanto a John Lennon y a Los Beatles ellos se convierten en tus panas. ¡John era el primer familiar cercano que tenía que se murió, y me dolió! (...) Este es mi homenaje a John Lennon; es un adiós, es un hasta siempre", dice con cierta nostalgia como si todos los días le doliera el asesinato del músico.

"Tenía que sacar esa sensación de dolor que me invadía. Pero al final cada imagen debe tener la capacidad de emocionarte y conmoverte, para bien o para mal. Necesitas que la persona que la observe la comprenda y la entienda. ¡No concibo tener que explicar mis imágenes!", afirma.

En la exposición, que hace gracias a Carlos García y a Federico Tischler, muestra 35 imágenes a color. "Bueno en realidad tienen solamente azul y blanco, es como si fuera blanco y negro", dice casi excusándose. "Es mi primer ensayo de fotografía a color. Es un ensayo de desaturación".

Es que aún le cuesta aceptar que trabajó con el color. "Yo nunca quise hacerlo. Para mí las fotos de color son como de fiestecitas, por eso nunca me había atrevido a utilizar el color. Uno desarrolla un lenguaje. De esta exposición me interesa que esos ángeles de la guarda nos cuiden y acompañen por lo menos hasta después del 7 de octubre", asegura con mucha fe.

Además de esta exposición, Luis Brito muestras cinco imágenes, de un metro por un metro, de la serie Evanescencias (2009), en la exhibición Memento que comparte junto con Bernardo Olmos en ArtMedia LLC Studio de Miami.

"El punto de partida de esta serie fue la primera flor dedicada a mi pana Juan Carlos Palenzuela. Es una serie que está dedicada a los panas que se han ido. Es la nostalgia que se lleva a los amigos que han tenido que huir del país. Es la historia de tristeza de los 20 años que tenemos padeciendo. Es la historia de un país golpeado", dice de una de sus series más sentidas, metafóricas y poéticas.

"Mis fotografías son más que un exorcismo. Parte de mi vida se me va. Parte de mis angustias, mis creencias están ahí. Todo lo voy dejando en la fotografía. Tiempo después es que descubro la razón de mis imágenes", remata.

dfalcon@eluniversal.com

Bàrbara Brändli recibe un homenaje entre fotografías

2012-02-08T04:31:00.001-08:00

Bàrbara Brändli recibe un homenaje entre fotografías

Fotos de la Colección de la Organización Nelson Garrido serán expuestas desde hoy

La exposición "La Memoria del olvido. Homenaje a Bàrbara Brandli" contará con 10 fotografías que forma parte del libro "Los Hijos de la Luna", publicado en 1983. En la ONG también se mostrarán los libros que realizo la fotógrafa FOTOS CORTESÍA NELSON GARRIDO

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"LA MEMORIA DEL OLVIDO"

DUBRASKA FALCÓN | EL UNIVERSAL

miércoles 8 de febrero de 2012 12:00 AM

Todo cambió para la fotógrafa suiza Bàrbara Brändli (Schaffhausen, 1932) cuando se mudó a Venezuela en 1959 para iniciar una nueva vida junto con su esposo venezolano. "Fue un cambio total", dijo en una oportunidad. Entraba a un país cuyas reglas de juego desconocía y el miedo a los cambios comenzaba a invadirla. Pero Brändli tuvo un ángel que la ayudó a superarlo: su cámara manual Nikkon. "Creo que me salvó la fotografía", afirmó en una entrevista a la revista Estampas.

Ella, que falleció el pasado 27 de diciembre de 2011, consiguió en Venezuela imágenes que sus ojos nunca antes habían visto. Se lente y su vida se toparon con las comunidades indígenas de Karanakuni, Mavaca y Platanal del Alto Orinoco.

"Fue tan fuerte para mí como para los astronautas la llegada a la Luna. Lo que siempre había deseado lo tenía frente a mí; algo distinto a todo lo que había visto hasta ahora", dijo.

Hoy Bàrbara Brändli, Premio Nacional de Fotografía 2004, recibe un homenaje de los fotógrafos que pertenecen a la Colección de la Organización Nelson Garrido. Para ella se expondrá desde hoy una colectiva con imágenes de Luis Brito, Ricardo Armas, Carlos Germán Rojas, Torito, Cristian Belpaire, Ricardo Jiménez, Roberto Fontana, Antolín Sánchez y Peter Maxim, que estarán acompañadas de una selección de 10 imágenes originales de Brändli que forman parte del libro Los Hijos de la Luna (1983).

Se trata de la muestra La memoria del olvido homenaje a Bàrbara Brändli, que según destaca Nelson Garrido, director de la ONG, es una distinción para una gran fotógrafa a quien no se le rindieran los tributos correspondientes.

"¡Ella cambió todo! Venía de un mundo cuadrado, estricto. Y aquí descubrió el Amazonas. Comenzó a abordar el trópico con el mismo tecnicismo suizo, pero con más sentimiento. Es que ella se integró al país y se convirtió, tanto para mí como para muchos otros, en una referencia. Ella quería que su archivo permanecieran en el país. Hay un libro que se terminó antes de que muriera", asegura Garrido.

Bàrbara Brändli era una investigadora persistente. Retrataba mundos llenos de texturas y atmósferas sorprendentes. Convivía con las comunidades indígenas no solo para fotografiarlas sino para sentirlas. Incluso adoptó una niña yanomami. "Hasta el último momento se negó a irse del país", dice Garrido. Y no lo hizo. Sus cenizas fueron esparcidas en Mucuchíes, pueblo andino en el que vivía... y al que seguirá retratando con su vieja cámara manual de la que nunca se separó.

Tres décadas de danza capturadas en un instante

2012-02-07T23:14:00.001-08:00

EL NACIONAL - MIÉRCOLES 08 DE FEBRERO DE 2012	ESCENAS/1

Escenas

Tres

décadas de danza capturadas en un instante

La muestra documental Memorias del Ballet Teresa Carreño (1979-2011) narra la historia de la compañía. El montaje rinde tributo a la fotografía especializada

	CARMEN VICTORIA MÉNDEZ cvmendez@el-nacional.com

WILLIAMS MARRERO / ARCHIVO

La muestra podrá ser visitada todo el mes MANUEL SARDÁ

La lente de los fotógrafos inmortalizó a grandes figuras

El bailarín mira a través del cuerpo y el movimiento; el fotógrafo lo hace a través del visor de su cámara, con la que captura el momento. Se trata de dos tiempos que pocos profesionales de la lente han logrado conciliar. Miguel Gracia (19312008) fue uno de ellos. El español, que cambió los metales y las piedras preciosas era joyero por una cámara, registró la época de oro de la danza venezolana. No es de extrañar que su nombre sea el que más se repite en la muestra Memorias del Ballet Teresa Carreño (1979-2011). Testimonios de una compañía, que narra la historia de la agrupación a través de la imagen.

Aunque la exposición es de corte documental e incluye afiches, programas de mano, material hemerográfico y hasta un par de zapatillas que pertenecen a una de las bailarinas de la formación actual, en ella predomina la fotografía, tanto a color como en blanco y negro.

Las imágenes reproducidas sobre paneles establecen una cronología organizada en tres etapas: la primera va de 1979 a 1983 y recoge las actividades realizadas por la compañía antes de que se culminara la construcción del Teatro Teresa Carreño. "La fundación se creó en 1973 y con el boom petrolero se creyó que el teatro iba a estar listo mucho antes. Pero no fue así y durante esos años el ballet se presentó en otros escenarios, como el Teatro Municipal de Caracas y el Teatro de la Ópera de Maracay", señala Jesús Gutiérrez, jefe de la Unidad de Investigación del Fondo Documental del Teatro Teresa Carreño.

En ese primer capítulo se observa el montaje de piezas como El lago de los cisnes (1980), El espectro de la rosa y Danzas polovtsianas del príncipe Igor, inmortalizadas por la lente de Marta Mikulan.

Uno de los registros fotográficos más significativos es el de Giselle (1981) que tuvo como estrella al ruso Rudolf Nureyev, considerado el mejor bailarín del siglo XX. Las gráficas las tomó Roland Streuli, autor deLa danza en Venezuela.

La segunda parte de la muestra corresponde a la fase de mayor esplendor del Ballet Teresa Carreño. "Comienza en 1984 con la llegada del maestro Vicente Nebrada, quien profesionaliza la compañía y le da rango internacional", afirma Gutiérrez. En esta sección predominan las fotografías de Gracia. Su lente registró montajes como Terra incógnita (1986), Apollo (1988), Serenade (1988) y La mer (1993). También hay imágenes de Ricardo Armas, Javier Gracia, el ya mencionado Streuli, Karla G. Nicholson, Rodolfo Benítez, Luis Brito y Félix Gerardi.

La etapa posterior a Nebrada va de 2004 a 2011, y documenta apenas 11 obras, a través de las gráficas de Eliécer Quijada, José "Paco" Alonso y Luis Corona. Hay una sección dedicada a los coreógrafos, que muestra retratos de figuras como Nina Novak, Nebrada, María Eugenia Barrios, Luz Urdaneta y Alicia Alonso. También hay segmentos dedicados a los ensayos y clases, así como a los maestros, los solistas y los bailarines invitados.

El material exhibido La lente de los fotógrafos inmortalizó a grandes figuras centaje del contenido que atesora el Fondo Documental del Teatro Teresa Carreño, asegura Gutiérrez. "Al principio se pensó en incluir registros audiovisuales de las piezas, pero no fue posible", indica. A pesar de lo modesto del montaje, la muestra tiene varias lecturas: de entrada, permite comparar la escena danzístireúne apenas un porca actual que tiene muchas limitaciones con un pasado dorado que no es tan remoto.

Además, rinde tributo a los fotógrafos de danza, a quienes el crítico Carlos Paolillo define como seres especiales. "Poseen una sensibilidad que les permite apreciar lo que la mayoría no ve", escribió recientemente en su columna.

la individual del lunes: Carlos Eduardo Araujo. Ausencias

2012-02-06T06:27:00.001-08:00

EL NACIONAL - LUNES 06 DE FEBRERO DE 2012	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Carlos Eduardo Araujo. Ausencias

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

Los paisajes del fotógrafo caraqueño Carlos Eduardo Araujo están deshabitados. Por ellos no transita el hombre, aunque su presencia sea una certeza ineludible. Son parajes despoblados, solitarios, apacibles y amenazantes, a veces. Lugares para la contemplación de lo que está afuera y de lo que está adentro. Aparentemente inamovibles o en la inminencia de transformarse en entornos visibles para el alma de quien los recorre consigo mismo y nadie más.

Aún en proceso de desarrollo, la serie Ausencias sugiere paradójicamente muchas presencias, pues invita a preguntarse ¿quién estuvo en esos paisajes?, ¿quién lo estará?, ¿cuál será su historia? Imágenes en claroscuro, sombras sinuosas al estilo de los bosques encantados, una húmeda calidez, grietas de lo vivo, un plácido abandono, una noche en calma y la proximidad de la revelación son algunas de las señales que configuran una propuesta artística que fascina e inquieta y que, más allá de una lectura superficial, delinea a un artista en plena introspección, con las emociones desnudas.

Como lo afirma Araujo, Ausencias es el registro de diversos espacios relacionados con el paisaje natural, urbano y doméstico que han sido despojados de la presencia humana con la intención de provocar en el espectador sensaciones vinculadas con la calma, la nostalgia, la melancolía y la soledad.

"La relación del ser humano con un entorno privado de otras personas debería enfrentarlo a la situación de estar únicamente consigo mismo; el espacio de quietud y aislamiento que lo circunda actúa como un reflejo de su mundo interior, lo invita a observarse íntimamente y en ese proceso le permite descubrir una reelaboración de las imágenes que mira", dice el fotógrafo egresado del Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón en la especialidad de Artes Gráficas.

Cada vez que Araujo acciona el disparador de su cámara, los lugares captados por él se convierten en paisajes emocionales. "La fotografía de un paisaje no es el paisaje propiamente dicho, es sólo la visión y la interpretación que el fotógrafo registra del paisaje original. Dicha visión, generalmente, está colmada de sensibilidad, por lo que el espectador es capaz de crear sus propias historias a través de lo que la imagen le revela. Esto es el privilegio de dialogar con las imágenes", concluye.

El trabajo de Carlos Eduardo Araujo puede ser observado en la página web www.araujovisual.com.

VESTIDOS DE SOL Fotografías de Bárbara Brändli en La ONG

2012-02-06T06:07:00.000-08:00

VESTIDOS DE SOL
Fotografías de Barbara Brandli

Inauguración: Miercoles 08 de Febreo de 2012, 7pm

La ONG no perdona pero tampoco olvida.

A través de la colección de fotografía de la Organización Nelson Garrido destacados representantes de la fotografía venezolanos recuerdan a Bárbara Brändli.

Aun cuando va a cumplir 300 años la Organización Nelson Garrido no olvida a los que han retratado al país y han dejado huella a full color o en blanco y negro, es así que no se hubiese perdonado que la primera exposición del 2012 fuese menos que un homenaje a Barbara Brändli (1932-2011) la fotógrafa de origen suizo, merecedora del Premio Nacional de Fotografía en el año 2004, radicada en el país desde 1959, quien falleció el pasado 27 de diciembre.

Recordando la frase de Cesar Rengifo "Venezuela es un país con una inmensa memoria para olvidar" la ONG inaugura el próximo miércoles 8 de febrero una exposición colectiva, basada en una selección de fotografías de la colección ONG, integrada por los fotógrafos: Luis Brito, Ricardo Armas, Carlos Germán Rojas, Torito, Cristian Belpaire, Ricardo Jimenez, Roberto Fontana, Antolin Sanchez y Peter Maxim que acompañarán una selección de 10 fotografías originales de Barbara Brändli.

Brändli era considerada una fotógrafa antropóloga comprometida con el poder de la imagen, su pasión por la danza en Ginebra la lleva a la moda en Paris y posteriormente se dedica a trabajar con los Yanomami en Venezuela con quienes desarrolla un importante trabajo publicado en el año de 1974 bajo el título: Los hios de la luna.

En París ha sido expuesta junto a fotógrafos de la talla de Brassai, Lucien Clergue, John Coplans, Robert Doisneau, Elliott Erwitt, André Kertész, Karl lagerfield, entre otros.

Actualmente se le rinde un homenaje en Le Bal (París, Francia) con el libro "Sistema Nervioso, 1975", que pueden revisar en la biblioteca especializada en fotografía de la ONG, así como otros libros de esta importante fotógrafa.

CHARLAS EN EL MARCO DEL HOMENAJE A BARBARA BRANDLI:

-Miercoles 15 de febrero de 2012, 7pm
Conversatorio sobre Barbara Brandli
Eduardo Castro

--Miercoles 29 de febrero de 2012, 7pm
Charla sobre fotografia venezolana
Luis Brito

-Miercoles 07 de marzo de 2012, 7pm
Una aproximacion a la fotografia venezolana
Nelson Garrido

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ONG
El espacio de los que no tenemos espacio

Av. Maria Teresa Toro, entre calle Cuba y Centroamerica, Res. Carmencita, aprt 5. Paralelo a la Av. Victoria. A seis cudras del metro Los Simbolos.
Telf: (0212) 6325291
organizacionnelsongarrido.com

Charla: Fotografía Documental en el Mercado

2012-02-05T08:46:00.000-08:00

El Ministerio del Poder Popular para la Cultura,a través de la Fundación Museos Nacionalesinvita a la charla

Fotografía Documental en el Mercado

Constituye en una evidencia respecto a la realidad. También se le conoce como fotografía social o testimonial, con la participación de los artistas Irama Gómez, Carlos Ancheta y Gabriela Carrera

Lugar : Museo Alejandro Otero Complejo Cultural La Rinconada

Miércoles 08 de febrero de 2012 Estaciones de Metro Mercado y La Rinconada

Hora: 10:00 am Teléfonos: (0212)6819571/6821814

Sala 5

Abiertas inscripciones para taller de fotografía y literatura

2012-02-03T17:38:00.000-08:00

A realizarse en el Celarg del 28 de febrero al 13 de marzo de 2012

Abiertas inscripciones para taller de fotografía y literatura

Prensa Celarg (30.01.2012). La Fundación Celarg, invita a participar en el taller de fotografía y literatura “Narrativas visuales vs. Visiones narrativas”, facilitado por Lorena González, el cual se desarrollará los días martes y jueves, a partir del 28 de febrero en horario de 7:00 p.m. a 9:00 p.m. con un costo de Bs. 400 (un solo pago).

“Este taller espera profundizar en temas contemporáneos a través de discursos paralelos donde la contingencia de la lectura, las fracturas de la palabra, los bordes ambiguos del discurso y la volatilidad de la letra pondrán en escena distintas líneas de acción y sonados contrapuntos de la creatividad. Desde la iconografía entendida como construcción y resonancia discursiva, literatura y fotografía comportarán los enclaves de un encuentro especial entre la imagen y la palabra, a la espera de que los participantes puedan también generar durante el curso, un cuerpo de trabajo artístico que parta desde las reflexiones propuestas”.

Así lo plantea la facilitadora Lorena González, quien comenta que en el taller abordarán como contenidos fragmentos de textos teóricos como Lo obvio y lo obtuso, de Roland Barthes o El libro que vendrá, de Maurice Blanchot, acompañarán el desplazamiento narrativo de la novela Vagas desapariciones, de Ana Teresa Torres y el cuento Las Babas del diablo, de Julio Cortázar; junto a propuestas fotográficas de artistas nacionales (Carlos Puche, Ricardo Jiménez, Déborah Castillo, Ángela Bonadies, Rafael Serrano…), revisiones de trabajos internacionales (Cindy Sherman, Lorca-diCorcia, Diane Arbus, Francis Alÿs) y películas de culto como Blow-Up, de Michelangelo Antonioni.

Los interesados deberán presentar -antes de su inscripción- un papel de trabajo de una cuartilla, con una primera propuesta creativa relacionada con los aspectos de investigación desarrollados. El material de lectura será fotocopiado y estará a la orden de los interesados para que lo copien y lean antes del inicio del curso con la finalidad de establecer discusiones más fructíferas.

Las inscripciones se realizan mediante depósito bancario por el monto indicado en la cuenta corriente del Banco Exterior, Nº 01150021880210002292, a nombre de la Fundación Celarg. Luego se entrega el comprobante de pago en el piso 3, caja de la Fundación Celarg, en horario de 9:00 a.m. a 12:00 m. y de 2:00 p.m. a 4:00 p.m. Los días martes, miércoles y jueves.

No se acepta la realización de transferencias bancarias para la cancelación de inscripciones en los talleres organizados por la Coordinación de Promoción Cultural de la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg). Es muy importante traer personalmente el recibo de pago en el banco para hacer efectiva la inscripción en el sistema, no se aceptan envíos por correo electrónico.

Para mayor información puede comunicarse con la Coordinación de Promoción Cultural. Correos: promocioncelarg@gmail.com / sinaimentado@celarg.gob.ve. Teléfonos: (0212) 285.27.21 / 29.90. Página Web:www.celarg.gob.ve

Tertulia con el artista Luis Molina Pantin en Cubo 7 - Espacio Fotográfico

2012-02-02T12:15:00.000-08:00

Estimados amigos.

Tenemos el agrado de invitarlos este próximo sábado 4 de febrero a las 6 de la tarde, a nuestra primera tertulia del año. En esta ocasión, compartiremos con el artista Luis Molina Pantin.

Los esperamos a todos!

Saludos.

Cubo 7 - Espacio Fotográfico

Taller | Galería | Estudio

☎ 0212 942 28 11/ 0424 102 09 79 / 0414 249 95 81

Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad. Secadero No. 7, La Trinidad. Caracas - Venezuela.

Invitación a la muestra: En tu nombre fotografías de Adán Zárate

2012-02-01T10:27:00.000-08:00

Invitación a la muestra: En tu nombre fotografías de Adán Zárate.
Inauguración jueves 02 de febrero de 2012 de 6 a 9 pm

adanzarate.blogspot.com

Fotógrafa acuciosa Bárbara Brändli.

2012-02-01T04:18:00.000-08:00

EL NACIONAL - MIÉRCOLES 01 DE FEBRERO DE 2012	ESCENAS/2

Escenas

Mirada de fotógrafa

TRASPASOS DANZA

CARLOS PAOLILLO

L a danza ocurre en un solo instante.

El ojo del espectador reinterpreta el movimiento y lo relaciona consigo mismo. La mirada del fotógrafo hace trascendente el gesto convirtiéndolo en lenguaje visual alternativo. Los fotógrafos de la danza son seres especiales: poseen una sensibilidad que les permite apreciar lo que la mayoría no ve. Captan el momento justo e irrepetible de un salto, un giro o una contracción, volviéndolo eterno.

Fotógrafa acuciosa fue Bárbara Brändli. Silenciosa y persistente investigadora de cuanto la rodeaba, hizo de sus imágenes detenidas un modo genuino de existir y comprender. A esa concepción antropológica de su profesión unió la de singular creadora de texturas y atmósferas a través del cuerpo humano desplazado.

Su interés por el movimiento la llevó a incursionar hace 50 años en un ejercicio de poco interés y ninguna especialización: la fotografía del acto de danzar.

La dedicación de Brändli a la danza escénica venezolana, de recientes búsquedas profesionales, la unió a una generación pionera de fotógrafos representada por los nombres de Fidias Elías, Pierre Mauguin y Miro Antón, que se adelantaron en el conocimiento y la práctica de congelar en el tiempo preciso una acción corporal ejemplar, a la que poco tiempo después se unieron Miguel Gracia, Roland Streuli y Ricardo Armas.

Todos fueron testigos del nacimiento y el desarrollo de una danza artística que buscaba sintonizar con los grandes centros de desarrollo mundial.

La Fundación de la Danza Contemporánea, dirigida por Grishka Holguín y Sonia Sanoja; el Ballet Nacional de Venezuela, conducido por Irma Contreras; y el Taller de Danza Contemporánea,proyecto de José Ledezma; fueron tres referenciales compañías nacionales en las que la recién fallecida creadora pudo realizar su trabajo de indagación de la imagen corporal, que fue mucho más allá del mero registro fotográfico para aportar una visión estética del movimiento de notable personalidad.

La primera de ellas legó un libro invaluable, a la vez documento y obra de arte: Duraciones visuales (Fundación Neumann, 1963), sorprendente desde el punto de vista de su diseño gráfico, dentro del cual las imágenes de Brändli determinan una ruptura estética del abordaje de los cuerpos dinámicos en el tiempo y el espacio. El ballet también estuvo en la óptica de la fotógrafa nacida en Suiza.

Una aventura, un hito. Ba- llet Nacional de Venezuela 1957-1980 (Publicaciones La Danza, 2004) reproduce algunas fotos de importante valor histórico en las que aparece una muy joven Zhandra Rodríguez, antes de convertirse en relevante figura internacional, interpretando el paso a dos de Don Quijote, o los registros del repertorio neoclásico que esa compañía desarrolló durante los años sesenta. Una tercera publicación, Taller de Danza de Caracas (John Lange Ediciones, 1986), profundiza en el universo conceptual y formal de la obra fotográfica de Brändli para la danza, patentizado en sus recreaciones de las obras Medea, Banshee o En bus- ca del regreso.

Las exposiciones Danza colectiva fotográfica (Teatro Teresa Carreño, 1985), Caminos del cuerpo y Ele- vaciones (Biblioteca Nacional, 2004 y 2007) exhibieron en su momento parte de los registros creativos aportados por Bárbara Brändli a la historia de la danza venezolana.

Cartagena recibe a la cultura Wayuú

2012-01-24T09:35:00.000-08:00


ARTES Martes 24 de Enero de 2012	\|	18 TalCual

Artes

DESDE ESTE SÁBADO 28 Y DURANTE UN MES SE EXPONE TEJIDOS VITALES

Cartagena recibe a la cultura Wayuú

La muestra agrupa diez imágenes tomadas en la frontera colombovenezolana que serán vendidas o subastadas El fotógrafo Eduardo Fuentes quiere dejar un legado de este hecho antropológico a las futuras generaciones

	SCARLE GARCÍA

Las tejedoras son el centro de esta muestra CORTESÍA DEL ARTISTA Â

La frontera colombo-venezolana es su radio de acción. Con cámara en mano recorre el árido terreno a cincuenta grados bajo la sombra. Eduardo Fuentes enfoca su lente en la cultura ancestral que allí convive. Este fotógrafo nació en Maracaibo. De niño iba al Mercado de las Pulgas con su abuelo a hacer las compras. Allí veía a los indígenas, que sembraron curiosidad y hasta dudas en él.

No fue sino hasta hace catorce años cuando se encontró frente a frente con La Guajira y comenzó a documentarlos. Luego, se distanció y volvió para dedicarse de lleno al trabajo que se estrena este sábado 28 en las instalaciones del local de María Panela Café en Cartagena, Colombia.

Bajo el título Tejidos vitales: una mirada al corazón humano detrás del tejido wayuú se agrupan diez imágenes.

Eduardo Fuentes se define como un "fotógrafo mochilero". Esa actitud de vida le permitió que ante la negativa del Gobierno venezolano para darle apoyo a esta iniciativa se fuera a Colombia. A través de Internet contactó al Banco de Fotos y Videos del Patrimonio Cultural Inmaterial de Latinoamérica del Centro Regional para la Salvaguarda del Patrimonio Cultural de América Latina (Crespial), auspiciado por la Unesco. Allí se encuentra una parte importante de sus imágenes.

"Mi trabajo es esencialmente humanitario y busca la preservación de la memoria, no sólo de la etnia wayuú, porque nuestro venezolanismo se está perdiendo. La guerrilla, la corrupción, el desplazamiento, la economía y las precariedades son factores que hacen que los indios abandonen sus costumbres ancestrales", explica Fuentes.

EL ARTE DE TEJER Tejidos vitales es una exposición conjunta entre fotografía y tradiciones wayuú que grafica escenas de la vida cotidiana de las tejedoras y exhibe mochilas en las que se demuestra la maestría de estas mujeres en el arte de tejer.

Los bolsos y las gráficas serán vendidas o subastadas para reinvertir en el proyecto que adelanta la Fundación Talento Colectivo para la promoción de este trabajo artesanal. Las nuevas generaciones no saben tejer, por eso el proyecto busca recaudar fondos para llevar hilo y capacitación a las wayuú.

DONAR Y NO OLVIDAR Próximamente, el criollo Eduardo Fuentes hará una donación al Archivo General de la nación de Colombia y de Venezuela. La Unesco ha dicho que si no hay una preservación, la humanidad se puede quedar sin memoria, entonces el fotógrafo quiere "dejar un legado de este hecho antropológico a las próximas generaciones".

Hasta el 28 de febrero, la muestra estará en Cartagena. Luego irá a los espacios del Centro Cultural Simón Bolívar en Bogotá, con ayuda de la embajada criolla en el país vecino.

La individual del lunes: Barbara Brändli. El legado

2012-01-23T13:28:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 23 DE ENERO DE 2012	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Barbara Brändli. El legado

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

Negado al obituario casi siempre escrito al fragor de la noticia, se empezó la pesquisa de algunas imágenes de la fotógrafa venezolana de origen suizo Barbara Brändli para "armar" esta Individual del Lunes, la primera que se dedica a un artista post mórtem.

Brändli falleció el 27 de diciembre. Pero difícilmente se puede hablar de un final cuando para los venezolanos del presente y del futuro queda un legado visual incomparable. Su legado.

Desde que la fotógrafa llegó a Venezuela, en 1959, se dio a la ardua y muchas veces solitaria tarea de hallar en lo que la rodeaba, en lo que captaban sus ojos, la identidad de un país que la acogió y para el que no cesó de registrar lo que hay más allá de lo aparente, de un paisaje humano que, en principio, le resultó ajeno, pero al que luego se abrió, con humildad y con respeto, para devolvernos la imagen inconfundible del conocimiento.

Ella ya no está físicamente, pero sus instantáneas siempre que se conserven y se difundan seguirán mostrando lo que, a veces, la mayoría no ve. Para Brändli, el oficio por el que recibió en 2004 el Premio Nacional de Fotografía era una especie de viaje espiritual, una manera de conectarse sensiblemente con el sujeto de su arte.

"Lo mío en la fotografía es el gesto humano, la cara, lo que hace la gente, hacer ver algo que, a lo mejor, cualquier persona que pasa por ese mismo sitio no ve o no siente", decía convencida de que es posible mirar más allá de lo obvio, de lo tangible, para acceder a territorios de trascendencia.

Allí están sus libros: Los hijos de la luna, Sistema nervioso, Así, con las manos... Testimonios de un trabajo incansable con el que Brändli se acercó a las comunidades indígenas del sur del país, los ye’kuana, los yanomami, los maquiritares, los pemones, no con la visión europeísta de la inteligencia superior en pleno descubrimiento de culturas salvajes, sino con la extraordinaria humanidad de quien acepta que hay otras formas de vincularse con el universo, tan válidas y genuinas como la del visitante de las grandes ciudades. Un aporte arqueológico que condujo a muchos venezolanos a reconocerse en la cosmogonía del indio.

Caracas también copó el interés de la fotógrafa que se inició en el ballet clásico y hasta fungió de modelo antes de comprender que el mundo es demasiado grande como para conformarse solamente con lucir bella ante una cámara.

De esta cuidad que a diario nos devora con su caos, Brändli dejó imágenes llenas de humor, contrastantes, casi surrealistas, pero sobre todo producto de una mirada limpia, desprejuiciada, amorosa, crítica, deslumbrada...

Barbara Brändli no se merecía una cuartilla y media de obituario. Dio mucho para que solamente nos limitáramos a inventariar su lugar y fecha de nacimiento, sus estudios, sus exposiciones y sus libros. Lo que mejor la definió son sus imágenes, el legado.

La actriz Golshfteh Farahani en la foto que apareció en la portada de Madame Le Figaro- FACEBOOK

2012-01-20T13:42:00.000-08:00

La actriz Golshfteh Farahani en la foto que apareció en la portada de Madame Le Figaro- FACEBOOK

EL NACIONAL - VIERNES 20 DE ENERO DE 2012	ESCENAS/2

Escenas

CENSURA La actriz vive en París desde hace un año
Irán desterró a Farahani por posar desnuda"La foto revela el terrible rostro de los entresijos del cine", publicó la agencia de noticias oficial Fars News

ANA TERUEL EL PAÍS PARÍS SERVICIO EXCLUSIVO DE EL NACIONAL

ARCHIVO La revista Le Figaro Madame publicó el retrato en el que la artista, prenominada al César el Oscar francés, aparece sin ropas de la cintura para arriba

Hace algo más de un año que la actriz iraní Golshifteh Farahani abandonó su país para instalarse en París, Francia, y escapar al control constante de la censura. Ahora acaba de recibir la noticia de que ya no es bienvenida en su tierra natal. Fue desterrada. El motivo: una foto en la que aparece desnuda de la cintura para arriba que publicó la revista Le Figaro Madame.

Farahani subió la foto el miércoles a su página de Facebook, que ha recibido la visita de miles de personas. La maniobra no le gustó nada a las autoridades religiosas iraníes. "La publicación en Internet de esta fotografía de la deplorable Golshifteh Farahani revela el terrible rostro de los entresijos del cine", dice una nota de la agencia de noticias oficial iraní Fars News. "Un responsable del Ministerio de Cultura y Guía Islámico me dijo que Irán no necesita actores ni artistas, y que puedo ofrecer mis servicios en otro lugar", contó al diario británico The Daily Telegraph la intérprete, que da vida a una enfermera en la película Red dementiras (2008), protagonizada por Leonardo Di Caprio.

En el origen de la polémica está la fotografía tomada para Le Figaro Madame, en la que Farahani aparece desnuda de la cintura para arriba y mira desafiante a la cámara mientras, pudorosamente, se cubre el pecho con las manos. La imagen forma parte de una serie de retratos que la revista hizo a los actores y actrices prenominados al César el Oscar francés en el apartado de Actor Revelación de 2012.

Hamid al-Kanani, experto en política iraní, señaló a la página web del canal de noticias Al Arabiya que las restricciones impuestas a la población por el Gobierno de ese país han acabado siendo contraproducentes: "Después de que Alia Al-Mahdi (la bloguera egipcia que en noviembre posó desnuda en la red) apareció sin ropa, parece que salir desnudas se convirtió en la única forma de protesta que tienen las mujeres para combatir las discriminaciones sexuales. La proliferación de esas imágenes demuestra el fracaso de la política cultural y religiosa del régimen islámico. La manera en que el sistema ha impuesto el velo y la separación entre hombres y mujeres ha alejado irremediablemente a los iraníes de la religión".

Exposición: John F. Kennedy en Venezuela: 50 años después.

2012-01-19T04:49:00.000-08:00


ARTES Jueves 19 de Enero de 2012	\|	21 TalCual

Artes

LA EXHIBICIÓN FOTOGRÁFICA SERÁ ITINERANTE

Los lentes capturaron una histórica visita

En las imágenes tomadas en 1961, el presidente Rómulo Betancourt recibió a su homólogo John F.

Kennedy y a su esposa Las 29 gráficas visitarán la isla de Margarita en febrero. En marzo viajará a Puerto Ordaz y luego van a Maracaibo

	SCARLE GARCÍA

En 1961, John F. Kennedy y su esposa, Jacqueline, realizaban la primera visita oficial a Latinoamérica y a Venezuela CORTESÍA PRENSA EMBAJADA EEUU Â

Lo que en un momento fue una visita política, hoy es una exposición de arte: John F. Kennedy en Venezuela: 50 años después. A pocos meses de haber tomado posesión de la silla presidencial en Estados Unidos, el mandatario norteamericano planeó un paseo por el sur. El propósito era conocer más a los latinos y a sus gobernantes.

"Fue la primera visita de Los Kennedy a Latinoamérica. En La Casa Blanca escogieron a Venezuela para empezar su gira y eso demostró que los norteamericanos apreciaban que este país había tomado el camino democrático después de tantas décadas de regímenes militares", puntualizó la agregada cultural de la Embajada de los Estados Unidos en Caracas, Sally Hodgson.

El presidente Rómulo Betancourt recibió al jefe de Estado, junto a su esposa, Jacqueline, para firmar un acuerdo conjunto que concretaba los objetivos propuestos en la "Alianza para el progreso". Esta iniciativa económica, política y social, estrenada en aquél momento (1961), duraría cuatro años.

Los presidentes se trasladaron a La Morita en la ciudad de Maracay para entregar casas y títulos de tierras que ayudarían a los residentes de la zona.

MUESTRA ITINERANTE Cinco décadas han pasado y la Embajada de los Estados Unidos consideró importante recordarlo. Son 29 gráficas de varios autores, recopiladas gracias a la contribución de la Fundación Rómulo Betancourt. También contactaron a la Biblioteca y Museo Presidencial John F. Kennedy de Boston y a los archivos de la nación norteamericana.

"Es una combinación de fotos de todos esos lugares. También tenemos un video a color de diez minutos, aproximadamente, que documenta todo lo sucedido desde su llegada a Maiquetía hasta su partida", añadió Hodgson.

La exhibición estuvo durante el pasado mes de diciembre en el Centro Cultural Bod-Corp Banca, en Caracas. Este año, la muestra será itinerante. Los primeros tres estados a visitar son Nueva Esparta, Bolívar y Zulia. En la isla de Margarita no han precisado el lugar de la inauguración, pero llegará la primera semana de febrero. Seguidamente, en marzo viajará a Puerto Ordaz y entre abril y mayo va a Maracaibo.

Critica de Artes visuales: Desplazamientos por LORENA GONZÁLEZ

2012-01-17T04:19:00.000-08:00

EL NACIONAL - MARTES 17 DE ENERO DE 2012	ESCENAS/2

Escenas

Esto es lo que hay Artes visuales

Desplazamientos

LORENA GONZÁLEZ

D esde finales del año pasado el Museo Alejandro Otero presenta dos muestras cuyos lineamientos se trasladan entre los territorios de producción del arte contemporáneo y otros contextos simbólicos y formales: estrategias de aproximación en las que los vínculos, el ejercicio de lo cotidiano, la memoria, los oficios del venezolano y las diversas aristas del ser social se entremezclan y revelan nexos de una producción artística insertada en las vibraciones del día a día.

En septiembre de 2011, y bajo la curaduría de Indira Aguilera Kohl, se inauguró la muestra Arte que da gus- to, investigación dirigida a las conexiones entre arte y comida que han regido algunos desarrollos particulares de la creatividad mundial. La propuesta engrana en su texto curatorial y en sus intenciones una correcta aproximación a estos entramados, con comentarios pertinentes como la participación de Ferrán Adriá en la Documenta 12 de Kassel o los preludios historiográficos de una práctica que se remonta a las naturalezas muertas del siglo XVII; sin olvidar valiosas referencias en el arte internacional como la creación del movimiento Eat Art en los años sesenta bajo la guía del rumano Daniel Spoerri, o los procesos que el Techo de la Ballena reveló por la misma época en la escena nacional.

En sala es grato revisar obras de pintores como Arturo Michelena y Marcos Castillo junto a internacionales como Claes Oldenburg; contemporáneos como Claudio Perna, Carlos Zerpa, Nelson Garrido, Carlos Poveda, o creadores populares como Manasés Rodríguez y Gregorio Mijares.

No obstante, la museografía extraña la participación de una mayor cantidad de artistas venezolanos y foráneos que han indagado en estas prácticas y que podrían haberle otorgado más fuerza al núcleo discursivo; imaginamos que algunas limitaciones presupuestarias y varios radicalismos de base no contribuyeron con la correcta cristalización del proyecto.

En el mes de noviembre, otras oquedades de las proximidades entre arte y comida, pero desde el ejercicio del intercambio como epicentro de múltiples realidades económicas y sociales, materializaron una antigua intención del MAO en suconsolidación de lazos con la comunidad. La exposición lleva el título Mercado de Coche y bajo la curaduría de Jhonny Fung hilvanó los diálogos que 16 creadores actuales establecieron en los espacios del conocido mercado aledaño al museo.

En los terrenos de la instalación destaca la intervención sonora de Rubén Aranguren con su relectura auditiva del paisaje en movimiento junto con el poético performance de Antonieta Zerré. En el caso de la pintura, despunta el tríptico del joven Marco Temoche con un frottage de variaciones cromáticas y testimoniales.

En fotografía sobresalen los actos de fe "pop" de la serie A cada quien su santo de Iván Amaya, los grandes cenitales de Nicola Rocco y muy especialmente la propuesta Pescaderos de Coche de Carlos Ancheta, hermosa ilación que en formato 6x6 congrega los recursos analógicos y digitales para revelar una visión sostenida y profunda de los protagonistas del mercado. Sin embargo, conviven con ellos las deslucidas, incomprensibles e ingenuas ideas del colectivo TallerArtefacto, Nancy Urosa y Eliseo Solís Mora, respectivamente, quienes habrían requerido un mayor rigor curatorial para canalizar con eficiencia sus propósitos en el espacio.

En ambas exposiciones estallan para bien o para mal las resonancias de ese complejo desplazamiento que debe existir entre artista, institución y curador; logros, inquietudes y abismos que tienen aún mucho qué decir sobre el curso denuestro arte actual.

la individual del lunes: Marianna Di Ferdinando. 52 Weeks

2012-01-16T11:05:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 16 DE ENERO DE 2012	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Marianna Di Ferdinando. 52 Weeks

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

Durante 52 semanas, la fotógrafa Marianna Di Ferdinando decidió comprobar sobre su propio cuerpo el paso del tiempo. De un año, en concreto. Y recurrió, lógicamente, al autorretrato para visualizar sobre su piel, sobre su cabello ondulado, sobre sus emociones, lo que ella es.

La imagen se le transformó así en un espejo de agua que a la más mínima alteración de su estado de ánimo cambiaba lo que en él se reflejaba.

Las instantáneas de la serie 52 Weeks, viradas a un sepia cremoso, profundamente nostálgico, hablan de soledad, pero también del encuentro con el "yo". Hay en ellas algo de ausencia y de reafirmación, de exploración corpórea, de dolor y de rabia. También de cierta serenidad, de paz consigo misma. Finalmente.

"Soy una fuerza preocupante porque he descubierto mi propia naturaleza y estoy determinada a vivir de acuerdo con ella asumiendo la responsabilidad de ser quien soy", dice la artista convencida de que la fotografía es su Rayuela. "Andábamos sin buscarnos, pero sabiendo que andábamos para encontrarnos", cita a Cortázar.

--¿Por qué el autorretrato? --Como dijo Frida Kahlo: "Me pinto a mí misma porque estoy a menudo sola, y porque soy la persona a la que mejor conozco". (...) Lo que surge de mí cuando me fotografío es simplemente el ser.

Talleres de Fotografía en Cubo7 Espacio Fotográfico

2012-01-15T15:19:00.000-08:00

Cubo 7 Espacio Fotográfico

Taller - Galería - Estudio

Calle Rafael Rangel Sur, Hacienda La Trinidad. Secadero No. 7, Caracas, Venezuela.

212 9422811/ 0424 1020979/ 0414 249958

Charlas sobre la Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica

2012-01-11T08:00:00.000-08:00

Artistas visuales venezolanos reflexionan sobre autores representados en la Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica.

Charla:
Sagrario Berti
Miércoles 11 de enero de 2012, 7 pm
Periférico Caracas / Arte Contemporáneo
[G1]
Transmisión en vivo por traficovisual.com

la individual del lunes: Filomena Calicchia, Las vidas de Bárbara

2012-01-09T04:30:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 09 DE ENERO DE 2012	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Filomena Calicchia, Las vidas de Bárbara

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

No es la primera vez que ella, siempre igual, siempre joven, siempre rubia, protagoniza una serie fotográfica. Lara Alcántara la sacó de su entorno lúdico y la fotografió en situaciones límite: golpeada, prostituida, minusválida y autoflagelada. Ahora, Filomena Calicchia, ingeniera de sistemas fascinada por el arte de las imágenes congeladas, muestra a la Barbie, ese referente de la infancia de millones de niñas en el mundo, en los papeles tradicionalmente asignados a la mujer.

Las vidas de Bárbara , propuesta que se exhibirá hasta finales de este mes en la galería El Pasillo del Centro de Estudios Fotográficos, que está ubicado en La Montaña Creativa, vía Unimet, en Terrazas del Ávila, convierte a la famosa muñeca en una representación de la mujer madre, ama de casa, esposa, ejecutiva, deportista, ecologista y pare usted de contar.

Dice la fotógrafa caraqueña: "Desde siempre las muñecas sirvieron para enseñarnos, a través del juego, cómo desempeñar los papeles que nos esperaban como madres. Pero también de niñas imaginamos cómo seríamos cuando fuésemos grandes, lo que quisiéramos ser. Nunca imaginamos que seríamos muchas, así que seguimos jugando y proyectándonos, sin saberlo, en esas muñecas perfectas".

Eso sí, Calicchia resume en una de sus instantáneas la de Bárbara narizona lo que esa imposición de patrones sociales termina por ser: una falsedad digna de Pinocho.

Cronograma 2012 - Talleres de Fotografía en La ONG - Organización Nelson Garrido

2012-01-05T14:58:00.000-08:00

http://www.organizacionnelsongarrido.com/cronograma2009.html

Buenos Aires dos miradas exhibe fotografías de Horacio Coppola y Facundo Zuviría

2012-01-04T07:42:00.001-08:00

EL NACIONAL - MIÉRCOLES 04 DE ENERO DE 2012	ESCENAS/2

Escenas

EXPOSICIÓN
Una ciudad, dos épocas
Museo de Bellas Artes, plaza Morelos Hora: de 9:00 am a 4:00 pm Entrada libre

Buenos Aires dos miradas exhibe fotografías de Horacio Coppola y Facundo Zuviría en las que se presenta a la ciudad desde dos épocas diferentes. Las imágenes de Coppola plasman la expresión de modernidad y de vanguardia de la Buenos Aires de los años treinta y Zuviría muestra a una ciudad nostálgica que busca rescatar lo perdido en las décadas de los ochenta y noventa.

la individual del lunes: Aglaia Berlutti. Bosque urbano

2012-01-02T17:41:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 02 DE ENERO DE 2012	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Aglaia Berlutti. Bosque urbano

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

En este mundo donde la tecnología digital ha automatizado todo aquello que antes se hacía por medios artesanales, sorprende que una fotógrafa como Aglaia Berlutti decida dejar a un lado los píxeles para recuperar la magia de la captura y reproducción de imágenes a la manera tradicional o analógica.

"Siempre me pareció un bello misterio ese otro reflejo en el espejo del lenguaje de la imagen: la fotografía sobre film (o material fotosensible). Para mí fue inevitable acercarme a ese otro mundo en el que la imagen depende por completo de la labor creativa del fotógrafo, no sólo como creador de ésta, sino también como constructor de un lenguaje visual que comienza a desarrollarse incluso antes de encontrar el momento preciso para captar una escena visual que posteriormente se convertirá en símbolo", indica.

Paciencia es la palabra con la que Berlutti describe el proceso del que nació la serie Bosque urbano. "La observación paciente es lo que define todo el proceso de la fotografía analógica. Desde el revelado hasta el copiado, el proceso artesanal permite construir una idea visual coherente y profundamente meditada. La manera cómo se revela un negativo hasta los estrictos tiempos de copiado permiten recrear una imagen con inquietante exactitud", agrega la también abogada y licenciada en Letras.

Bosque urbano permitió a su autora comprender cabalmente el poder de sus decisiones como fotógrafa. "La más mínima de ellas tendrá una enorme influencia en el resultado final. La capacidad de (re)crear la imagen que vive en tu mente de la manera más fidedigna posible es, quizás, uno de los milagros más profundamente sentidos que he conocido en el mundo visual", concluye.

La fotografía ganó terreno en 2011

2011-12-30T06:51:00.000-08:00

EL NACIONAL - VIERNES 30 DE DICIEMBRE DE 2011	ESCENAS/1

Escenas

La fotografía ganó terreno en 2011

Museos, galerías, espacios alternativos y salones del país pusieron de relieve la preponderancia de la imagen en la aldea global

	CARMEN VICTORIA MÉNDEZ cvmendez@el-nacional.com

Petre Maxim

Suwon Lee

El año que termina fue crucial para la fotografía en el país. Tanto la analógica como la digital, en la vertiente documental como en el ámbito experimental y conceptual, fue el medio que ganó más terreno en los espacios expositivos públicos y privados.

Una revisión de las muestras presentadas a lo largo de los últimos 12 meses revela un interés creciente de las instituciones, los curadores y los artistas por el discurso fotográfico. La exhibición FotoFIA, enmarcada en el vigésimo aniversario de la Feria Iberoamericana de Arte, es un buen punto de partida para comenzar un recuento de 2011.

La curaduría de Félix Suazo contrastó las apropiaciones que hizo Claudio Perna de las fotos de las agencias internacionales de noticias con creaciones de Yuri Liscano, Gala Garrido, Daniel Camacaro y Amada Granado, entre otros fotógrafos contemporáneos.

Periférico Caracas dedicó dos exposiciones a la imagen fotográfica. La primera fue Correspondencias visuales, en la que Marcelo Brodsky estableció un intercambio visual con Manel Esclusa y Beto Gutiérrez, a través del correo electrónico. La sala cerró el año con la exhibición de la Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica, que condensa las mejores imágenes del siglo XX, captadas por profesionales como Vik Muniz y Marina Abramovich.

Una de las artistas jóvenes que tuvo más protagonismo en el año fue Suwon Lee, que fue premiada por la AVAP y presentó su trabajo en sendas individuales en El Anexo y Oficina#1. Este último recinto también mostró Ciudades de arriba, la serie de 40 fotografías digitales a través de la que Iván Amaya trata de buscar la belleza interna del barrio.

El Museo de Bellas Artes dedicó varias muestras importantes al género documental, entre ellas Habitar la oscuridad, un ensayo sobre la ceguera del mexicano Marco Antonio Cruz. La Sala TAC exhibió una gran individual de Petre Maxim, el rumano que registró la Venezuela moderna para la revista Shell. Los usos artísticos del medio fueron los protagonistas de la colectiva que Yuri Liscano curó para el Museo Nacional de la Fotografía.

El Proyecto Trocadero, de Roberto Mata Taller de Fotografía, trajo al país las obras de Salvatore Elefante, Luca Pagliari y Kevin German. La Organización Nelson Garrido mostró Luchando con rimas, un ensayo de Oscar B. Castillo que documenta la movida rapera en La Habana a través del retrato.

Más salas. La mudanza de la galería especializada Espacio MAD al Centro de Arte Los Galpones y el surgimiento de salas dedicadas exclusivamente a la fotografía, como Cubo 7 y el piso superior de la Fundación DOP, contribuyó a ampliar el circuito expositivo independiente. Por la Hacienda La Trinidad pasaron Andrés Manner y Sara Maneiro, entre otros; por Los Galpones, Irama Gómez, Gala Garrido y Violette Bulle, amén de numerosas colectivas. La Fundación DOP fue artífice, junto con la galería Odalys Sánchez, de la individual del conceptualista español Chema Madoz, una de las exposiciones más celebradas por el público y la crítica.

Madoz también está presente en 50x60 Polaroid gigante, la muestra itinerante del Centro Andaluz de Fotografía que acoge actualmente el Museo de Arte Contemporáneo.

Lo que más le llama la atención al crítico Perán Erminy es que la fotografía dejó de ser vista como rival de la pintura para convertirse en arte por sí misma.

Suazo agrega que pasó de ser un medio, de estar atada a la tecnología, a asumirse como un discurso. "Su papel es absolutamente preponderante. Es un proceso que se viene gestando desde los últimos cinco o seis años. Ello guarda relación con un fenómeno local, que es la sistemática capacidad de formación que han tenido los proyectos pedagógicos de la Organización Nelson Garrido, el Núcleo Fotosensible y Roberto Mata Taller de Fotografía; y con otro de carácter más global: el triunfo de la imagen en la sociedad actual", señala el curador de Periférico Caracas y El Anexo.

Crítica: Al proyecto Ciudades de arriba (2004-2009) del fotógrafo Iván Amaya

2011-12-27T06:36:00.000-08:00

EL NACIONAL - MARTES 27 DE DICIEMBRE DE 2011	ESCENAS/2

Escenas

Volver la mirada

ESTO ES LO QUE HAY ARTES VISUALES

LORENA GONZÁLEZ

D esde hace varios meses esta columna se ha dedicado a diagnosticar los matices que registra el ejercicio de la fotografía en el país. Este ángulo no es casual; sus perspectivas responden a esa extensa, profusa y acuciosa producción que se está originando. En esta cartografía destaca no sólo la labor de creadores de generaciones diversas, reconocidos maestros, profesionales avanzados, antecesores bien definidos o magníficos principiantes, sino un hilo conductor perfilado hacia la fotografía como metáfora pertinente, enraizada en el documento crítico, en la reflexión desde la imagen y sus vínculos con los territorios de lo social.

Esta situación material y simbólica podría estar desarrollando resonancias muy especiales en las formas privativas que han caracterizado los últimos diez años de creación nacional; conjunto que de haber sido contenido y analizado por las suspendidas políticas de adquisiciones de los museos del Estado tal vez tendría mucho más que decirnos como zona relevante de interacción iconográfica, incluso dentro del estatus internacional que está viviendo el género como estrategia de aproximación a la realidad.

En paralelo, hemos visto que el siglo XXI ha experimentado nuevas aperturas y abismos en fotografía digital y su asombrosa capacidad de accesibilidad por parte de todos los que requieran de ella. Los avances tecnológicos, las redes sociales, la telefonía celular y los medios de exhibición y reproducción de imágenes han construido un espacio a la vez exuberante y peligroso para ese género, zona tan fértil como compleja en la que el uso con fines artísticos tiene que comenzar a definir con mayor claridad sus necesidades, sus maneras, sus razones y su destino, dentro de los paradigmas multiplicadores de la contemporaneidad.

A esa área de persistentes incertidumbres me ha llevado el trabajo del fotógrafo Iván Amaya, quien inauguró en noviembre su primera exposición individual en El Anexo, con el proyecto Ciudades de arri- ba (2004-2009). Este investigador social lleva varios años revelando los matices de una estética construida desde las arquitecturas del barrio, grafías y poéticas inaccesibles para el habitante común de la urbe.

Cada serie ha sido desarrollada a través de largos períodos, que no tienen principio ni fin. Con paciencia, Amaya se inserta en esas geodesias, intercambia con las comunidades y revela sus cualidades, sus mutaciones y dinámicas. Entretanto va surgiendo en su cámara una armonía no vista por el resto, engranajes de una trasformación que, sin prejuicios, aprehende en su lente, enalteciendo los colores, los formatos y los materiales con los cuales el barrio va asentando su belleza única, sus representaciones, su desempeño, su vivir. En la mirada de este creador destaca el respeto por una topografía trashumante y por los nexos que ella misma reconstruye con la tradición y las paradojas del modernismo latinoamericano.

El centro de acción son las casas más altas, las difíciles, aquellas que están completamente alejadas de las perspectivas centrales.

En los resultados, no sólo incrementa un registro, sino que agrega complejidad a un acercamiento en el que la sencillez de la distancia trama un caleidoscopio de nuevas consideraciones. Cada imagen puede mirarse una sola vez, pero en su tiempo diverso nos obliga a volver la mirada, contrapunto visual donde teoría y práctica, modernidad y ruina, poderes centrales y periferia, silencios y ceguera, populismo y censura, nos confrontan con los temas pendientes de esa volátil, desvanecida y siempre conflictiva historia venezolana.

la individual del lunes: Gabriel Díaz, India: la tierra de la fe

2011-12-26T01:51:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 26 DE DICIEMBRE DE 2011	ESCENAS/4

Escenas

la individual del lunes

Gabriel Díaz, India: la tierra de la fe

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

Además de encontrar un camino espiritual, el fotógrafo caraqueño Gabriel Díaz se ha servido de su oficio para acelerar el proceso de identificación con la cultura que ha cambiado su forma de relacionarse consigo mismo, con sus creencias y valores y con el mundo: Gaudiya Vaisnavismo.

El término hace referencia a una manifestación religiosa propia de la región de la India Oriental, o Gauda, donde hace más de 700 años se concentraban los estudios de los textos sánscritos o escrituras de la antigua India (los vedas).

La belleza de las imágenes de Díaz, un ingeniero mecánico egresado de la Universidad Metropolitana, radica no en el exotismo de los paisajes, sino en la armonía y en la paz, en la serenidad y el gozo que éstas transpiran. Pero nada más difícil para el autor de estas instantáneas que expresar con palabras lo que capta con su cámara. "Estos lugares son considerados como sagrados y concentran cada año a miles de seguidores provenientes de todas partes del mundo", dice quien es uno de ellos y ha dedicado más de 10 años a la investigación y práctica de la cultura aquí retratada.

Coppola + Zuviría

2011-12-20T08:25:00.000-08:00

EL NACIONAL - MARTES 20 DE DICIEMBRE DE 2011	ESCENAS/2

Escenas

Coppola + Zuviría

ESTO ES LO QUE HAY ARTES VISUALES

LORENA GONZÁLEZ

A En el prólogo de su libro El último lector, Ricardo Piglia introduce con un relato particular los diversos acontecimientos que se forjan en la obra de arte. En sus líneas, la visita a la casa de un hombre llamado Russell, que reconstruye a escala microscópica la réplica de la ciudad, despliega en cierta forma todo aquello que comporta la transcripción del mundo: imagen de un tránsito que se vuelve presencia significante en el encuentro con el espectador; composición que ensu superación del referente se levanta más profunda, más genuina e incluso más verdadera que la propia realidad.

La urbe reproducida en este texto es Buenos Aires y el artista que la calca de forma tan meticulosa e inquietante es un fotógrafo. Según Russell, su ciudad es la que controla el movimiento de lo externo, es ella la auténtica, la que importa en su dimensión a un tiempo minúscula e infinita. Lo otro es una fachada, un reflejo de esa trama inédita que delinea el curso del símbolo y la intimidad secreta del afuera.

Sin saberlo, dos creadores han venido a manifestar en el espacio museográfico esa impresión de Piglia en la que parafraseando al autor la ciudad sólo trata sobre duplicados y representaciones, un modelo en el que se eterniza la presencia de lo extraviado y las diversas formas de hacer visible lo inmaterial. Estos artistas son los fotógrafos argentinos Horacio Coppola y Facundo de Zuviría, quienes desde comienzos de noviembre exhiben en la sala 12 del MBA la muestraitinerante Buenos Aires, dos miradas. Organizada por la Embajada de la República Argentina, la exposición ya ha recorrido diversos puntos de la región latinoamericana y estará en Caracas hasta febrero de 2012. En su totalidad, reúne piezas que con una poética especial de aproximación diluyen los lapsos y las trayectorias de la capital y enaltece metáforas ancladas en el alma de la identidad bonaerense.

El cruce de resonancias vino por una propuesta que Zuviría hizo a Coppola en ocasión de su cumpleaños número 100, con lo cual agruparon las proyecciones transversales de 2 secuencias separadas por más de 5 décadas. En el caso delmaestro, la visual se sumerge en la metrópoli de los años treinta; su progreso y sus olvidos, sus ilusiones nacientes, su voluntad constructivista y los rastros de una vanguardia paradójica que resentía el avance de los nuevos tiempos. ParaZuviría, es el Baires melancólico de los ochenta y los noventa el punto de enlace, una mirada discursiva en la cual los rasgos de lo sublime y los despuntes de la ironía nos confrontan con el quiebre entre el mito y su hecatombe, con los nexos entre el extravío y la belleza de la cultura popular.

Ambas perspectivas poseen la cualidad especial de la autonomía, dos maquetas que en una proporción inexplorada trepidan desde sus pequeños y grandes ángulos para generar visiones complejas, como aquella ciudad de Russell que tanto perturbó a Piglia. En cada fotografía la localidad diminuta se eleva; la imagen ha trascendido las demandas banales del contexto para más allá del tiempo y del espacio poner en escena las sombras y las luces, los matices y los esplendores de un ordenamiento privado, único, múltiple y privativo a la vez. Esfera indisoluble y siempre variable de esa cláusula enigmática que es la representación.

la individual del lunes: Rafael Mesa. Mirada cautiva

2011-12-19T04:28:00.000-08:00

EL NACIONAL - LUNES 19 DE DICIEMBRE DE 2011	CULTURA/4

Cultura

la individual del lunes

Rafael Mesa. Mirada cautiva

	JUAN ANTONIO GONZÁLEZ laindividualdellunes@gmail.com

La inseguridad ha obligado a los venezolanos a vivir tras las rejas. Una especie de necesario encarcelamiento con el que la gente busca proteger su vida y sus bienes por escasos y modestos que estos sean. Caracas, por ejemplo, se ha convertido en una gran cárcel en la que cada vez son menos los espacios para la expresión esencial del vivir: la libertad, convertida ahora en una aspiración quimérica.

El fotógrafo caraqueño Rafael Mesa, ahora residenciado en Valencia, estado Carabobo, se dio a la tarea de retratar esa cotidianidad que transcurre desde dentro y fuera de esas rejas.

¿El resultado? Un puñado de imágenes que hablan de encierro, de paranoia, de miedo...

"La inseguridad nos ha forzado a ser espectadores lejanos de las cosas que suceden justo frente a nuestras ventanas.

Parece como si espiáramos y miráramos de reojo cada suceso exterior o persona que cruza por nuestras casas", indica Mesa.

Sobre el objetivo de su trabajo documental, dice el fotógrafo y diseñador gráfico: "Quería saber cómo es la imagen diaria que perciben los habitantes de Valencia, Maracaibo o Caracas cada vez que miran al exterior a través de los barrotes, cómo es su visión ante situaciones que de alguna manera pudieran afectarlos".

ENTREVISTA CON JOSÉ RAMÍREZ, DIRECTOR DEL CENTRO DE ESTUDIOS FOTOGRÁFICOS

2011-12-15T10:37:00.000-08:00

José Ramírez posando como modelo en las clases de iluminación del profesor Rolando Loewenstein
CORTESÍA DE CARLOS ANCHETA

Diario Tal Cual

Artes

ENTREVISTA CON JOSÉ RAMÍREZ, DIRECTOR DEL CENTRO DE ESTUDIOS FOTOGRÁFICOS

"Aquí todos los días hay un tsunami"

El profesor conversó sobre la necesidad de enfocar la mirada hacia la realidad venezolana La institución nació hace más de un año y celebra ser parte del Centro de Artes Integradas

	YOHANA SILVERA

La historia de José Ramírez parece ser parte de aquellas en las que el destino no deja opciones. Se desarrolló como especialista y docente de Tecnologías de la Información y luego se adentró en el mundo de las letras, pero su reconocimiento se encuentra en el área de la imagen. Es el director del Centro de Estudios Fotográficos (CIEF) y desde la Montaña Creativa sueña en una institución integral de artes.

El Centro nació en septiembre del año pasado con una propuesta académica formal y es parte del Centro de Artes Integradas, ubicado en la Universidad Metropolitana. Concluyeron que dos años es el tiempo propicio. Seis trimestres con 3 ejes de contenido: instrumental, autoral y especializado, los cuales permiten una formación más profesional.

¿Cómo fue la construcción del pensum de estudios de la carrera? Primero observamos nuestras referencias nacionales e internacionales, viendo las tendencias de enseñanza de fotografía. El EFTI de España y el International Center of Photography en Nueva York sirvieron como punto de partida. Así definimos la carrera de dos años y los talleres trimestrales. La planilla de profesores está constituida por personas que tienen años en la docencia y la fotografía como Roberto Loscher, Rolando Loewenstein, Ricardo Gómez-Pérez, Nelson Garrido, entre otros. La idea es convertirnos en un centro de referencia.

La escuela nace en un momento de auge de la fotografía, ¿este fenómeno es internacional? Sí, después de la consolidación de la fotografía digital se ha producido un fenómeno de democratización, está al alcance de todos. Muchas personas comenzaron a considerarlo como un hobby más serio.

Pero por otro lado, la fotografía es una manera de mirar que se acerca a la forma de ver moderna. Poco a poco también ha ido ganando terreno en el arte contemporáneo. Ha sido asumida por artistas como medio de expresión y la llevaron más allá de lo documental.

Para el año que viene también tendrán talleres internacionales con tres invitados como Walter Astrada, Andrés Martínez Casares y Rodrigo Cruz Es la primera vez que realizamos estos talleres internacionales. Se trata de una semana de inmersión en el fotoperiodismo.

En marzo vendrá Andrés Martínez, un reportero gráfico radicado en Haití.

La modalidad será igual que el trabajo de una agencia de noticias. El estudiante asistirá a una pauta y luego tiene que regresar a editar sus fotos. En abril será el taller de Walter Astrada. Consistirá en fotoensayo y la construcción de una historia. Y en mayo Rodrigo Cruz impartirá un taller para la elaboración de productos multimedia.

Cuando se revisa la historia de esos jóvenes se observa que el reconocimiento que tienen se produce porque se han lanzado al mundo Sí, pero hay algo que nos parece importante en el CIEF. Estamos tratando de cultivar la mirada local.

Tenemos una ausencia de cobertura interna grave. Si vas al Archivo Audiovisual de la Biblioteca Nacional hay un hueco de casi diez años. Después de los trabajos de Alfredo Boulton, Ricardo Armas o Roberto Fontana no hay registro de la evolución de nuestro país. Piensan que para hacer un fotorreportaje de impacto hay que irse a Haití, India o África. No es así.

Aquí tenemos un tsumani todos los días.

CiEF

CENTRO DE ESTUDIOS FOTOGRÁFICOS

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“Tan lejos, tan cerca”, colectiva de fotografía

2011-12-01T09:42:00.001-08:00

“Tan lejos, tan cerca”, colectiva de fotografía: EXPOSICIÓNDE FIN DE AÑO EN LA ESCONDIDA

LaEscondida clausura su año fotográfico con una exposición que reúne a seisfotógrafos independientes de diversos orígenes y escuelas. La muestra seráinaugurada el viernes 2 de diciembre a las 8 de la noche en La Escondida delCentro San Ignacio.

Elcolectivo fotográfico reunido para esta muestra, orienta su selección hacia eltema de la distancia geográfica (son fotografías de tierras y culturas lejanas)en contrapunto visual con lo íntimamente humano, demostrando mediante susimágenes, que la humanidad es un solo cuerpo y que las diferencias entre losseres humanos son accidentales o anecdóticas, pues nos hermana una mismaesencia.

Otra ideapresente en las 12 fotografías que conforman la exposición es la de una miradaque atraviesa: ver a través. En cada una de estas fotos hay una visión mediada,bien sea por el tiempo, por las superficies, por el gesto, por elementosfísicos, es decir, el relato de estas imágenes transcurre en el ejercicio de unamirada que necesita atravesar para encontrar.

Losfotógrafos aquí reunidos son Ana Cristina Febres, Martha Viaña, TomaszWodzynski, Lilly Pestana, Amanda Rosales y María Rivas.

Loscoleccionistas interesados en adquirir obras podrán acceder a ellas en tratodirecto con los fotógrafos. La Escondida no participa comercialmente de laventa de las fotografías, y concibe estas iniciativas como un capítulo de suresponsabilidad social empresarial, al apoyar de manera permanente a los fotógrafosvenezolanos mediante exposiciones a lo largo de todo el año y muyespecialmente, a través de su Concurso Anual de Fotografía Temática, por ciertode muy próxima convocatoria.

La muestra“Tan lejos, tan cerca” estará en nuestros espacios de la sucursal San Ignaciohasta el mes de marzo de 2012.

"John F. Kennedy en Venezuela: 50 años después" se expone en Corp Banca

2011-11-29T04:09:00.001-08:00

29 fotos muestran la visita de los Kennedy a Caracas y Maracay

"John F. Kennedy en Venezuela: 50 años después" se expone en Corp Banca

La muestra, que inaugura hoy, estará hasta finales de enero CORTESÍA

DUBRASKA FALCÓN | EL UNIVERSAL

martes 29 de noviembre de 2011 12:00 AM

John F. Kennedy decidió, en 1961, que el primer país que visitaría, en su gira por Latinoamérica, sería Venezuela. El entonces presidente de Estados Unidos tomó en cuenta el paso que estaba dando el país hacia la democracia, de la mano del mandatario nacional Rómulo Betancourt. Así que aterrizó en el aeropuerto de La Carlota el 16 de diciembre, para luego partir el 17 rumbo a Colombia.

De esto hace ya medio siglo. Por eso, el registro de esta visita se podrá ver desde hoy, y hasta finales de enero, en la exposición John F. Ke-nnedy en Venezuela: 50 Años Después, en B.O.D. Corp Banca, en La Castellana.

Se trata de 29 imágenes fotográficas que pertenecen a La Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy, en Boston, Massachusetts; al Archivo Nacional de Estados Unidos; y a la Fundación Rómulo Betancourt, según afirma Eric Catalfamo, director adjunto de Cultura de la Embajada de Estados Unidos.

"Esta exposición cuenta la visita histórica que realizó el presidente John F. Kennedy junto a su esposa, Jacqueline Kennedy. Él y la Casa Blanca tuvieron que elegir por dónde comenzar la primera gira, y no dudaron en hacerlo en Venezuela (...) Es la primera vez que todo este grupo de fotografías están reunidas en una sola muestra", asegura Eric Catalfamo.

En el recorrido, según cuenta el Director Adjunto de la Embajada, el presidente Ke-nnedy voló en helicóptero, acompañado por Betancourt, a Maracay. Ahí ambos mandatarios visitaron las poblaciones de La Fría y La Morita. "Entregaron varios títulos de propiedad de tierra, como parte del programa de ayuda económica, política y social Alianza para el Progreso para América Latina del presidente Kennedy".

Luego regresaron a Caracas para una cena en honor al mandatario estadounidense. Al día siguiente, fueron al Panteón Nacional para conmemorar un año más del fallecimiento del Libertador Simón Bolívar.

III Encuentro de Críticos y Comisarios / Valparaíso

2011-11-29T04:02:00.001-08:00

EL NACIONAL - MARTES 29 DE NOVIEMBRE DE 2011	ESCENAS/2

Escenas

Esto es lo que hay Artes visuales

Valparaíso

LORENA GONZÁLEZ

A lgunas apuestas generan una secuencia de extrañas resonancias.

Un seminario, varios atisbos sobre lo fotográfico y sus diversas formas de estar en el mundo, un lugar aparentemente perdido, un más allá de excepción, curadores, amigos, escuchas, correlatores de la imagen. En las distancias y cercanías de nuestras opciones vitales e intelectuales todo se moviliza y se detiene, todo se marcha y regresa de pronto como esa marea infinita que colma las pequeñas calles del valle, como esas temperaturas oscilantes, como esas colinas sin final puntual; sí, ese fue el aire, ese ir y venir constante que hay en Valparaíso.

Allí estuvimos. Ponentes expectantes como focos alternos en relación dentro del área intersticial que los abismos de la fotografía genera en nuestro agitado presente. Abrimos opciones, relaciones, disyuntivas, variaciones y metáforas que se imbricaron desde distintas latitudes y cuyos testimonios se encuentran registrados en la página web del programa. Todo sucedió rápida e intensamente, vibrando en medio de los roces transatlánticos que nos brindó el III Encuentro de Críticos y Comisarios celebrado en la localidad chilena con la conducción del curador Gerardo Mosquera y en el marco de Photoespaña, evento dirigido por Claude Bussac.

Al inicio, las políticas de género repicaron por entre los bordes sureños que formuló la curadora argentina Kekena Corvalán a través de las propuestas de Cristina Coll y Alessandra Sanguinetti.

En las cartografías mexicanas despuntaron las trayectorias que desde la galería Kahlo Coronel le sirvieron al investigador Irving Domínguez para completar una pequeña columna vertebral de la fotografía en su país. Junto a él, dos puntos equidistantes de su propio territorio abrieron sendos campos de confrontación: por un lado las diatribas local-internacional que mediante representativos conjuntos del arte latinoamericano nos brindó Daniel Garza, curador del Museo de Arte Moderno de México; en otro ángulo, los peligrosos conflictos de la representación del yo en los rayanos iconográficos de las redes sociales que guiaron las reflexiones del crítico y docente Eduardo Ramírez.

En los linderos del coleccionismo y los desplazamientos simbólicos de la fotografía como objeto de sentido, la percepción acuciosa de la venezolana Sagrario Berti sembró visiones singulares sobre el destino privado y público de una colección latinoamericana de finales del siglo XIX y comienzos del XX. En cuanto a los terrenos de la producción más reciente nos encontramos con la aguda mirada de Rita Ferrer sobre la contundente obra de Jorge Brantmayer, quien con sus "muchedumbres santiaguinas" trastocó la vida pública de la ciudad francesa de Bayona. En el caso de Perú, la excelente puesta en escena De Lima a Talca- huano del creador Fernando Gutiérrez "Huanchaco" fue comentada en toda su complejidad histórica, humana y referencial por la docente Giuliana Vidarte.

En mi argumento, algunas inquietudes sobre el destino de la imagen contemporánea en nuestros digitales paradigmas multiplicadores me llevaron a varias preguntas sobre sus fines, apuntando los pasajes críticos de cinco creadores de la Venezuela actual: Iván Amaya, Lisa Blackmore, Juan Carlos Rodríguez, Suwon Lee y Rafael Serrano.

En su totalidad, los vientos variables de Valpo y las corrientes teórico-prácticas de Photoespaña 2011 nutrieron un intercambio que materializó ese incógnito mapa en el que se hilvanaron perspectivas especiales en torno al tema "Desde aquí: contexto e internacionalización".

Excelente iniciativa de un empalme inmaterial de geografías reales que esperamos pueda algún día asentar sus recorridos en las convulsas fronteras de la ciudad de Caracas.

“Las vidas de Bárbara” fotografías de Filomena Calicchia

2011-11-28T18:20:00.001-08:00

“Las vidas de Bárbara”fotografías de Filomena Calicchia.

Desde ellunes 28 de Noviembre y hasta el 14 de Enero 2012, en “El pasillo” del CiEF,Centro de Estudios Fotográficos, del Centro de Artes Integrada, podrándisfrutar de la exposición “Las vidas de Bárbara”, fotografías de FilomenaCalicchia.

Sobre “Las vidas de Bárbara”

Yo,tú, ella, nosotras, ustedes y ellas. Siempre alertas, siempre perfectas, noshemos convertido en esa mujer multifacética: Bárbara.

Desdesiempre las muñecas sirvieron para enseñarnos, jugando, cómo desempeñar losroles que nos esperaban como madre, pero también, de niñas, imaginamos comoseriamos cuando fuésemos grandes, lo que quisiéramos ser; pero no imaginamosque seríamos muchas, así que seguimos jugando y proyectándonos, sin saberlo, enesas muñecas perfectas.

Mamá¿Por qué juegas con mis muñecas?

Somosmadres, esposas, asistentes del hogar, profesoras, choferes, ejecutivas,deportistas, presidentes, fotógrafas,… debemos ser fuertes, bellas y para esocasi necesitamos ayuda extraterrestre, un sueño, sobrevivir los estándaresimpuestos por una sociedad que nosotras mismas hemos ayudado a fijar, sobre unabelleza plástica, acaso de muñecas.

FilomenaCalicchia

CiEF, Centro de Estudios Fotográficos

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Locos de La Vela fotografías de Rómulo Peña en el Museo de Arte Coro

2011-11-28T14:42:00.001-08:00

Exposición del fotógrafo Rómulo Peña en el Museo de ArteCoro

Recreando a los Locos de La Vela

Misterio, color, sol ymáscaras en un formato fotográfico poco común es lo que presenta el artistaplástico coriano

Jaime Garvett

jjgarvetto@gmail.com

La festividad de los Locosde La Vela se celebra todos los años en esta población falconiana de playay sol el día de los Santos Inocentes (28 de diciembre), cuando la poblaciónsale a la calle a disfrutar del grupo de coterráneos que se disfrazan y hacenparte de un concurso en el que se premian los trajes y comparsas más creativos.Según la tradición oral, esta festividad tiene su lugar en el poblado veleñobajo la idea de que los amos se conviertan en esclavos y los esclavos en amos,según se lee en un documento que oficializa la fiesta.

Todo el color, el candor, la simpatía y la fiesta de estedía ha venido siendo retratada por el fotógrafo coriano Rómulo Peña a través de diversas técnicas fotográficas como laahora clásica fotografía digital, la estenopéica (principio básico de la cámaraoscura, del cual el artista es uno de los pocos cultores en todo el país) y lafotografía con cámara Holga, que esun artefacto fotográfico prácticamente de juguete pues está hecho con óptica ycuerpo plástico, el cual genera una sensación muy diferente a la fotografíanormal pues sus colores se ven afectados por esta composición de elementos,además de que la imagen abarca todo el espectro del negativo, incluyendo lastiras de arrastre, lo que le da un aspecto más crudo y cercano a la realidad.

Sin embargo, Peña logra acercarse también a la fantasía ypsicodelia del color que propone esta fiesta que documentó pacientementedurante 3 años, a través de una mirada especial y unas técnicas que lograexprimir de su Holga y que nosacercan a historias deformes, dinámicas y llenas de misterios bajo elinclemente sol veleño.

Rómulo Peña cuenta el apoyo del Museo de Arte Contemporáneo de Coro y el Centro de Arte PDVSA La Estancia de Paraguaná para realizar suprimera muestra individual en dicho museo el día 1 de diciembre, fecha en laque se estarán aperturando las salas del museo dándole paso a la locura veleña,por lo que si el paseante, viajero o curioso del arte está por la ciudad de Coro,recomendamos ampliamente visitar esta muestra de 30 fotografías especialmentecuradas para esta ocasión y que han sido hechas por un fotógrafo reconocido anivel nacional e internacional y que a su edad -29 años-, ha alcanzado elestatus de gran promesa de la fotografía venezolana.

C U A D R O

SEÑAS Y COLOR

30 fotografías estaráexponiendo Rómulo Peña este 1ero dediciembre en el Museo de Arte de Coro

La cámara Holga fue diseñada por Lee en 1981el formato de 120mm en rollo deblanco y negro era la película más ampliamente distribuida en China, conocida por subaja fidelidad y su estética plástica. La cámara Holga nació bajo la idea de uncosto accesible siendo ampliamente producida por su sencillez de ensamblaje yvendida en muchas partes del mundo por su bajo costo.

Invitación a la inauguración de la exposición MERCADO DE COCHE

2011-11-27T11:12:00.000-08:00

Inauguración de la ExposiciónMercado de Coche

Domingo 27 de noviembre de2011, 11:00 a.m.

Museo Alejandro Otero

Artistas participantes:

Adriana Herrera

Antonieta Zerré

Augusto Marcano

Bernardo Suárez

Carlos Ancheta

Eliseo Solís Mora

Gabriela Carrera

Irama Gómez

Iván Amaya

Luis Franco

Manuel Lima

Marco Temoche

Nancy Urosa

Nicola Rocco

Rubén Aranguren

Virgilio Álvarez

Apartir del domingo 27 de noviembre en la sala 5

Reflexiones plásticas del Mercado de Coche en el MAO

PrensaFundación Museos Nacionales (18.11.11) Las reflexiones sociales,etnográficas, antropológicas, estéticas y culturales de 17 artistas sobre elmayor centro de distribución de alimentos y productos de Caracas, plasmadas ensus propuestas plásticas, podrán ser observadas en la exposición Mercado de Coche, a ser inaugurada eldomingo 27 de noviembre en la sala 5 del Museo Alejandro Otero.

Este proyecto expositivo-organizado por la Fundación Museos Nacionales, a través del MAO- se llevó acabo en dos etapas. La primera fue insitu desde las áreas internas del mercado en la que artistas plásticos ysonoros, performistas y fotógrafos, luego de variados recorridos eimplementando una creativa museología abierta, valiéndose del trabajo de campo,concibieron este punto ubicado en la parroquia Coche como territorio deexperiencia e investigación. Las piezas surgen de la reflexión e interpretaciónde estas visitas y vínculos establecidos para dar lugar a la segunda parte delproyecto, que se materializa con la muestra.

El mercado, entonces,logra confluir el uso simbólico del arte en el imaginario colectivo y laformulación de ejercicios museográficos que nutren la imaginación y despiertanla sensibilidad del espectador hacia un espacio poco convencial para eldisfrute del arte. Y el MAO se convierte en un mediador cultural que permiteabordar un lugar con inmensas potencialidades en cuanto a significados, en elque los artistas indagan según sus inquietudes plásticas y establecen undiálogo que revela la identidad del mercado como sitio de interés para elpúblico, no sólo de la parroquia en la que se ubica, sino para los visitantesen general.

Cuatro áreas temáticascomprende la exposición Mercado de Cocheal explorar las visiones conceptuales de los creadores participantes. Estas sonEl espacio y el tiempo en las quetrabajaron Iván Amaya, Virgilio Álvarez, Marcos Temoche y Nancy Urosa; Sociedad y cultura que incluye las obrasde Carlos Ancheta, Gabriela Carrera, Irama Gómez y Manuel Lima; Experiencia sensorial con las creacionesde Adriana Herrera, Rubén Aranguren, Eliseo Solís Mora y Antonieta Zerré; y La estética del mercado en la queparticipan Luis Franco, Augusto Marcano y Bernardo Suárez. Igualmente, secuenta con la participación especial como invitado del fotógrafo Nicola Roccocon una selección de fotografías aéreas del Mercado de Coche; además de unaimagen, sin fecha definida y de autor anónimo, que está comprendida entre losbienes patrimoniales de Inmerca.

Entre las actividades quese han formulado, en correspondencia con este proyecto y con sentido didácticoy pedagógico para favorecer la discusión de ideas relacionadas con temas que setraten directamente en la muestra o tópicos que se asocien indirectamente-atendiendo a las necesidades e solicitudes del público visitante-, se llevarána cabo visitas guiadas, seminarios, conferencias, foros, talleres y proyección dedocumentales, por nombrar apenas algunos eventos.

Este proyecto que permiteal público visitar conceptualmente el mercado, reflejado a través de obras dearte, y realizar diversas lecturas sobre este tradicional punto de intercambiode bienes caraqueño es otra iniciativa del Gobierno Bolivariano, llevada a caboa través del Ministerio del Poder Popular para la Cultura. (Fin / FMN)

Intercambio artístico con el Mercado de Coche

2011-11-26T01:44:00.001-08:00


FIN DE SEMANA Sábado 26 de Noviembre de 2011	\|	12 TalCual

Fin de semana

Intercambio artístico con el Mercado de Coche

	YOHANA SILVERA

L os mercados son microcosmos, exponentes de la esencia de una región. Todos los males se acrecientan y los valores de esa sociedad se observan casi a través de una lupa dentro de sus vericuetos. Dinero y caos. Mercancía y orden. Niñez y locura. Trabajo y perseverancia.

Establecer un puente entre ese mundo y el arte requiere mucho trabajo. Los resultados permiten un acercamiento etnográfico, antropológico, estético y cultural con esa zona. Un ejemplo de ello fue el esfuerzo realizado por el Museo Alejandro Otero, quienes limpiaron sus paredes y se abocaron de nuevo a lo suyo, a divulgar las creaciones contemporáneas y a realizar propuestas que atrapen a la comunidad.

Desde hace diez meses, Jhonny Fung, investigador de la institución, comenzó a indagar la forma de acercar el museo al gentilicio de sus alrededores. La respuesta estaba cerca y nació la muestraMercado de Coche , que se inaugurará este domingo a las 11:00 am.

La exposición comprende cuatro áreas temáticas. Estas son "El espacio y el tiempo" en las que trabajaron Iván Amaya, Virgilio Álvarez, Marcos Temoche y Nancy Urosa; "Sociedad y cultura" que incluye las obras de Carlos Ancheta, Gabriela Carrera, Irama Gómez y Manuel Lima; "Experiencia sensorial" con las creaciones de Adriana Herrera, Rubén Huérfano, Eliseo Solís Mora y Antonieta Zerré; y "La estética del mercado" en la que participan Luis Franco, Augusto Marcano y Bernardo Suárez.

Igualmente, cuenta con una selección de fotografías aéreas del Mercado de Coche del invitado especial Nicola Rocco, Premio Nacional de Fotografía 2001; además de una imagen, sin fecha definida y de autor anónimo, que está comprendida entre los bienes patrimoniales de Inmerca.

"En la exhibición hay múltiples lenguajes que representan esa misma riqueza que presenta el mercado", explica Fung, resumiendo el carácter de las tres salas.

El pasado jueves se hizo una visita al Museo. Algunos artistas se encontraban realizando el montaje. Adriana Herrera pintaba una obra in situ, denominada Mercado de palabras , producto de un taller elaborado con diez niños que trabajan en el lugar.

Marcos Temoche presenta Un vielnes en el Melcado de Coche , "así con todo el argot". A punta de creyones y papel bond fue frotando todo lo que veía con grafito (frottage ) y obtuvo las texturas y siluetas de gran cantidad de objetos presentes en el mercado. En un tríptico donde expone su autorretrato aparece entre latas de bebidas alcohólicas y las tramas del piso. "Los viernes, todo en el mercado es una fiesta", apuntó.

Eliseo Solís Mora realizó un performance . Dio un paseo por la feria envuelto en una red. Pedía que realizaran un nudo de estambre en cualquier lugar de la malla a cambio de un poema.

Irama Gómez y Carlos Ancheta están enfrentados. En una misma sala sus trabajos fotográficos dialogan desde paredes equidistantes. Ella presenta cinco historias, personajes que permiten que el mercado funcione, pero que nadie ve. La señora del café, el mecánico, el fabricante de carretillas, el remendador de guacales y el hacedor de redes. Él fue en busca de sus paisanos orientales, vendedores de pescado, pero no los encontró. Sin embargo, reseña los relaciones entre ellos y la atmósfera que se respira.

"Yo creé un performance en el lugar. Tomé fotos en diversos puntos y realicé la Galería La Antena. Traigo un video de esa experiencia y la réplica de ese trabajo. Esta exposición también servirá para poner los ojos en esa realidad", manifestó Nancy Urosa, quien celebra la iniciativa que llena de vida nuevamente al Museo Alejandro Otero.

Carlos Ancheta, Adriana Herrera, Marcos Temoche, Irama Gómez, Jhonny Jung y Eliseo Solís

Mercado de palabras, de Adriana Herrera

Galería La antena, por Nancy Urosa CORTESÍA DE LA ARTISTA Â

Fotografía de Irama Gómez RENIER OTTO/TALCUAL Â